艺术涵盖人类通过组织材料、声音、动作、图像或语言，创造具有表现力、审美价值或文化意义的形式的实践及其成果。它包括实物、表演、环境和过程，而不只是陈列在画廊中的物品。何为艺术，因时代和社会而异，没有任何一种定义得到普遍认同。艺术与文化密切相关，但它与工艺、设计、娱乐及日常活动之间的界限会随历史而变化。
形式与媒介
视觉艺术包括绘画、素描、雕塑、版画、摄影和动态图像。建筑将空间与视觉表达同实用需求结合起来。语言艺术以语言为媒介，例如文学和诗歌；表演艺术则包括音乐、舞蹈和戏剧。这些类别彼此交叠：歌剧结合了音乐、戏剧和舞台视觉呈现，装置艺术则可能融合实物、声音、视频与观众参与。
媒介是实现作品的材料或手段。油彩、石材、人声和计算机代码各有不同的可能性与限制。创作者通过习得的操作方法、实验和身体技能，运用技法将这些资源转化为作品。例如，在书法中，毛笔的运动形成文字，其节奏和结构同时具有视觉意义。
纯艺术与应用艺术的区分，通常是将主要因表现力或审美特质而受到重视的作品，与承担实用功能的作品分开。这一区分既不普遍适用，也不是绝对的：陶瓷、纺织品、家具和建筑可以同时具有实用性与艺术意义。
定义与美学思想
美学是哲学的一个分支，研究艺术体验、美、阐释和判断。有些理论以再现来定义艺术，另一些则着眼于情感表达或可感知形式的组织。制度理论和历史理论强调作品与公认的艺术实践、受众及传统之间的关系。每一种研究路径都能阐明某些情况，却也会在解释其他情况时遇到困难。
在古典思想中，亚里士多德通过模仿，即 mimesis，来探讨诗歌和戏剧艺术；这里的模仿被理解为对行动的再现，而不只是对外观的复制。后来的思想家则探讨了想象力、趣味、独创性，以及审美愉悦与知识之间的关系。
美并非每件艺术作品都必须具备的特征。作品可能有意唤起不适、悲伤、疑惑或愉悦。被认定为艺术，也不保证作品的质量。某物是否属于艺术、是否成功，以及其影响在伦理上是否可以接受，是彼此不同的问题，尽管它们往往相互交织。
历史与文化发展
图像制作、装饰和雕刻物品的证据可以追溯到史前时代，但早期具体作品的用途往往并不明确。用现代分类来界定这些作品，需要保持谨慎。在许多社会中，艺术创作与宗教、仪式、政治权力及实际生活融为一体，而非被视为独立的活动。
古埃及留存至今的艺术包括纪念性建筑、墓葬装饰，以及与王室和宗教机构有关的物品。在古希腊，雕塑、建筑、陶器和戏剧表演服务于公民生活、宗教活动及家庭生活。这些传统随时间而变化，不应被简化为单一风格。
欧洲文艺复兴重新深入研究和运用了古典文献与艺术传统，推动了线性透视的发展，也改变了艺术家的职业地位。在其他地区，独特的传统通过当地制度和跨文化交流逐步发展起来。例如，佛教的传播伴随着亚洲各地图像与建筑的转变。
印刷术扩大了图像和文本的传播范围。此后，工业革命改变了生产、城市生活和消费模式。摄影引入了记录和构建图像的新方法。这些发展改变了艺术创作的可能性，而不是简单地取代旧有媒介。
现代与当代实践
现代主义指多种重新塑造既有惯例的运动，尤其是自十九世纪末以来的那些运动。艺术家探索抽象表现、新材料、碎片化的视角，以及艺术作品与日常生活之间的其他关系。现代主义并非单一风格，其发展在不同地区和艺术门类中也各不相同。
二十世纪的艺术实践进一步挑战了艺术必须是独一无二的手工制品这一观念。现成物、行为表演、装置艺术和观念艺术将关注点转向选择、语境、行动和思想。有些作品以指令或事件的形式存在；另一些则在最初呈现之后，依靠记录资料留存。
当代艺术既包括这些实验性路径，也包括绘画、编织和雕刻等延续至今的实践。这个术语通常指当下或近期的艺术，而非某个统一的运动。
创作、机构与接受
艺术创作存在于各种社会和经济组织形式之中，包括作坊、家庭、学校、商业工作室、社区组织和个人实践。赞助、委托、公共资助和销售影响着能够创作什么，以及谁能够参与。许多作品即使署名为一位艺术家，也是在协作中完成的。
博物馆保存、研究并展示藏品，而画廊、艺术节、出版机构和表演场所则将作品与受众联系起来。机构还通过收藏、展览和分类，影响作品获得认可的过程。文化遗产的保护涉及对实物保存状况、记录、所有权和适当展示方式的决策。
阐释以形式特征、历史背景、惯例和观看者的经验为依据。证据可以限定某种解读的范围，却未必能确立一个涵盖一切的意义。
数字技术
互联网使线上传播、远程协作，以及为网络环境设计的作品成为可能。数字艺术可以具有互动性、依照程序规则生成，或持续变化，从而使关于原作与复制品的既有观念变得复杂。当硬件和平台过时时，依赖软件的作品便面临保存难题。
生成式人工智能为图像、声音和文本的制作提供了更多工具。它的使用引发了有关作者身份、训练材料、同意，以及自动化生产与艺术决策之间关系的问题。这些问题因具体系统、工作方法和法律背景而异。