巴洛克是一种在约1600年至18世纪中叶主导欧洲艺术、建筑、音乐及相关艺术领域的风格与时期。它发端于罗马，当时的天主教会借助华丽的图像与建筑来回应新教的批判并感染信众。其典型特征在于震撼感官、展现戏剧般的动感，并将某一具有决定意义的瞬间戏剧化呈现。它的视觉语汇包含强烈的光影对比、浓郁的色彩以及宏大的规模，并广泛体现在建筑、雕塑、绘画和音乐之中。该词通常被认为源于葡萄牙语中指代不规则珍珠的词汇，在学者赋予其客观中性的含义之前，最初曾被用作带有贬义的批评标签。
这种风格传播至意大利、法国、西班牙、葡萄牙、佛兰德、荷兰共和国、中欧以及俄罗斯，在宗教、宫廷赞助和本土传统的共同塑造下形成了各具特色的民族形态。信奉新教的北欧偏爱肖像画、风俗画与静物画，而天主教盛行的南欧则更青睐大型宗教与神话题材的作品。巴洛克音乐孕育了通奏低音、大小调体系、歌剧、清唱剧与协奏曲，并成为约翰·塞巴斯蒂安·巴赫与乔治·弗里德里希·亨德尔等作曲大师施展才华的舞台。进入晚期后，巴洛克形式逐渐让位于洛可可与新古典主义。本词条涵盖了巴洛克的起源、视觉与音乐特征、地域差异、学术解读，以及它作为首批具有全球影响力的艺术风格之一所留下的遗产。
名称、定义与范围
学者通常将这一名称追溯至葡萄牙语名词 barroco，意指形状不规则的珍珠；该词随后传入法语，并由此进入其他欧洲语言。法语词 baroque 便衍生自葡萄牙语 barroco，含义同样是不规则形状的珍珠。早期的词典词条保留了这一含义：1694年的一部法语词典（《法兰西学术院词典》1694年版将 baroque 描述为“仅用于形容不够圆润的珍珠”）仅将该词用于指代不完全圆整的珍珠；而1728年的一部葡萄牙语词典同样将 barroco 描述为指代“粗糙且不平整的珍珠”。其终极词源仍无定论。另一种说法认为该词与画家费德里科·巴罗奇有关，而词源学家则认为葡萄牙语词根来源不明，可能与拉丁语 verruca（“疣”）有关。
该词从一开始就带有价值判断色彩。其最初作为批评用语的年代常常被误判：长期以来，人们认为该词作为批评术语最早用于建筑领域，但实际上它更早出现在音乐评论中——见于1733年10月某部作品首演后的一篇匿名讽刺评论。该词传入英语的时间相对较晚，约在1765年，当时被用来指称显得笨拙的造型和扭曲怪异的装饰（“17世纪末至18世纪大部分时间盛行于欧洲的建筑与装饰风格”，后来在1765年被嘲弄为形式笨拙、装饰扭曲奢靡）。这种负面含义直到后来才逐渐褪去，该词最终演变为指称某一历史时期的中性标签。
作为实用定义，该术语涵盖的范围远不止绘画。这一时期在绘画、雕塑、建筑和音乐方面均诞生了重要作品，同时也深刻影响了戏剧、舞蹈与诗歌。在音乐领域，该术语指代约1600年至1750年间创作的西方古典音乐的时代或主导风格。其用法后来也延伸至同一时期的建筑。试图用一份固定的特征清单来界定该风格的努力均未成功；要列出一套明确将巴洛克音乐与前后运动区分开来的特征极为困难。学者们提出了诸多特征，包括“动感、开放形式、高度装饰、鲜明对比、多样风格并存、个人主义、情感表现等等”。因此，这一标签描述的是一组相互关联的倾向，而非单一的规则集。
传统的时间跨度为1600年至1750年。自19世纪以来，“巴洛克”一词被广泛用于描述约1600年至1750年间的西欧艺术音乐时期。历史学者常将这一时期划分为早、中、晚三个阶段，这一做法借鉴了沃尔夫林描述视觉艺术时采用的三分法。各阶段的具体界限各不相同：一种被广泛引用的划分为“早期巴洛克”（1580–1630）、“盛期巴洛克”（1630–1680）和“晚期巴洛克”（1680–1730）。其他教材则使用1600–1650、1650–1700和1700–1750等年代划分；尽管这些时期在时间上存在重叠，但分期标签更多是一种约定俗成，而非绝对的割裂。
该风格与其前后的风格均有明确区别。巴洛克风格承接文艺复兴时期，并在经历短暂过渡（优雅风格）后被古典主义时期所取代。当时的建筑师继承了文艺复兴时期的建筑语汇，并改变了其尺度与特质：他们借鉴了文艺复兴建筑的基本元素（包括穹顶和柱廊），使其更高耸、更宏伟、装饰更繁复，也更具戏剧效果。此前盛行的矫饰主义被视为一个独立的阶段；而晚期巴洛克则让位于洛可可——约1730年前后，一种装饰更为精致繁缛的变体洛可可在中欧兴起并盛极一时。崇尚新古典主义克制风格的18世纪批评家，则对巴洛克式的繁复逾矩深感反感（他们偏好新古典主义的内敛，认为繁缛的巴洛克风格过于过火）。
罗马起源与反宗教改革
1600年前后的罗马成为这一新风格成型的舞台，而这座城市的宗教政治格局从一开始就塑造了它的面貌。自16世纪20年代起，教会便受到新教改革的冲击。1527年的罗马之劫已然严重削弱了教皇的权威，天主教高层随即发起一场运动，旨在重树自身权威并重新赢回信众。历史学家常将这场运动称为“反宗教改革”，其时期大致从16世纪中叶持续到17世纪中叶。耶稣会是这场运动的主力之一，罗马教廷亦将建筑、绘画与雕塑作为推展反宗教改革的工具。正因如此，人们通常首先将罗马巴洛克视为一项宗教与政治工程，其次才将其视为一种艺术风格。
特伦托公会议在1545年至1563年间分数个阶段举行，奠定了相关的教义框架。1563年12月3日至4日举行的最后一届会议通过了一项关于敬礼圣人、圣髑和圣像的法令。该法令并未规定具体的绘画技法，而是确认了宗教图像的合法性，同时禁止虚假、不雅或可能滋生迷信的图像，并将监督审查的责任赋予主教。然而，其在实践层面的要求十分明确：圣像必须阐释信仰真理、激发观者的虔敬之心，并且易于让普通信众看懂。公会议结束后的数十年里，教士与理论家撰写了多部关于圣像绘画的专论，将这些总体原则细化为对题材、得体度与清晰度的具体要求。米兰的卡洛·博罗梅奥枢机与博洛尼亚的加布里埃尔·帕莱奥蒂枢机是这一改革网络的核心人物，他们的通信展现了这些理念如何在赞助人与艺术家之间传播开来。
教会的赞助为巴洛克风格的发展提供了资金、委托和场地。教皇的营建工程、枢机主教的家族礼拜堂以及新成立的修会，都委托创作了大量既需震撼人心又具教化作用的大型项目。始建于16世纪60年代末、完工于80年代中期的罗马耶稣教堂拥有宽敞的中殿，注重讲道功能与视线通达，成为欧洲各地耶稣会教堂的典范。说服与感化是其首要目的。祭坛画和穹顶湿壁画被寄望于在情感上生动展现教义，使观者不仅能研读其含义，更能在心灵上切实感受到所描绘的事件。
早期的革新者起而反对晚期风格主义那套脱离现实的矫饰做派，这种风格在1580年前后的数十年间风行于罗马及意大利大部分地区。风格主义画家偏爱拉长的人物造型、不稳定的空间感，以及往往晦涩难解的优雅构图，迎合的是有学识的精英受众。博洛尼亚的卡拉奇家族——即卢多维科、阿戈斯蒂诺与安尼巴莱——摒弃了这种做法，转而追求清晰的叙事、自然的姿态，并将早先盛期文艺复兴的典范融会贯通。安尼巴莱·卡拉奇随后前往罗马创作，他在人民圣母圣殿切拉西礼拜堂绘制的作品（作于1600–1601年）与卡拉瓦乔的画作并肩而置。卡拉瓦乔本人于16世纪90年代初抵达罗马，将写实主义推向了极致。他以市井平民为模特，将神圣人物置于昏暗平庸的日常场景中，并以直白露骨的手法表现暴力与情绪，令部分赞助人和评论家感到不安。因此，他的作品既体现了教会对打动人心的视觉图像的渴求，也折射出这类图像所激起的紧张与争议。
年代与地理传播
起源与首个中心
巴洛克风格并非同时在所有地方出现。它于16世纪80至90年代诞生于博洛尼亚和罗马的绘画作坊，并在17世纪二十至三十年代萌芽于罗马的雕塑与建筑工作室，随后依次在其他地区传播开来。罗马是其首个发展中心：大约在1600年于罗马兴起，反映了该城作为艺术赞助繁荣中心以及天主教会所在地的核心地位。该风格在其他地区的引入虽然发展不一，但到了约1620年前后，巴洛克风格已在全欧洲牢固确立。
传播路径
在意大利境内，这种风格迅速从罗马传播至其他城市，包括威尼斯和那不勒斯。在亚平宁半岛之外，该潮流主要沿着向西北与向东的路径扩散。巴洛克风格于17世纪初发端于罗马，随后迅速传遍意大利其余地区、法国、西班牙和葡萄牙，接着又传播到奥地利、德国南部、波兰和俄罗斯。
其传播动力主要源于三种机制。首先是教会层面的推动：实力雄厚的各大修会通过其庞大的修道院与修女院网络进一步推广了这种风格。其次是政治与宫廷竞争：统治者与天主教诸侯竞相赞助艺术创作以彰显声望，某个宫廷采用的风格往往会引发另一宫廷的仿效竞争。第三是艺术家的游历交往：随着教会日益借由艺术传达教理，卡拉瓦乔的追随者将其风格传播到了整个天主教欧洲；画家们也将意大利的技法经验带回故土，例如西班牙画家迭戈·委拉斯开兹的艺术创作便深受其意大利之行的影响。
在天主教主导的意大利和伊比利亚半岛之外，情况有所不同。在意大利以外，西属尼德兰和荷兰共和国是巴洛克绘画尤为繁茂的沃土。在荷兰共和国，受新教信仰与市场驱动的文化影响，巴洛克风格呈现出鲜明的世俗化特征，而非像在罗马那样主要服务于教会的委托定制。
区域巅峰与晚期阶段
各地区画派发展出了各自的侧重点。盛期巴洛克（1625–1675年）迎来了这一风格的鼎盛时期，被广泛运用于意大利、西班牙、葡萄牙、法国、巴伐利亚和奥地利的教堂与宫殿建筑中。在晚期，该风格继续向更远的地方传播：在晚期巴洛克时期（1675–1750年），它远播至俄罗斯、奥斯曼帝国以及西葡两国的拉丁美洲殖民地。在法国，路易十四统治下的晚期巴洛克风格相对克制，表现出更富秩序感与古典主义倾向的特征。
学者对向洛可可风格过渡的时间界定尚无定论。一种观点以路易十四于1715年逝世为界，认为洛可可最早于巴黎兴起（1715–1720年），到1730年传至巴伐利亚和哈布斯堡领地，并在1750年左右在各地达到顶峰。另一种观点则将这一转变定在18世纪30年代，当时一种装饰更为繁复、被称为洛可可的变体出现并在中欧蓬勃发展。两种风格在各地区的交替重叠程度也各不相同：巴洛克风格在意大利和西班牙一直延续至约1730年，在东欧（波希米亚、巴伐利亚）持续至约1750年，而在伊比利亚美洲殖民地甚至一直延续到了18世纪70年代。
绘画：光线、色彩与戏剧性
光线是巴洛克画家营造戏剧感的主要手段。明暗对照法（源自意大利语，意为“明暗”）通过明暗对比来塑造物体的体积感。这种技法最初应用于素描和木刻版画，随后进入绘画领域，艺术家使用明亮或较浅的颜料表现高光，以较暗的色调表现阴影。早期的艺术家主要用它来赋予形体和空间以可信的厚重感，而巴洛克画家则将其推向了更具感染力的境界。
暗色调主义是其更为极致的表现形式，其名称源自意大利语 tenebroso（意为阴沉、黑暗）。这种效果宛如舞台上的聚光灯：单个姿态或人物被强光鲜明地照亮，而周围的环境则隐没在黑暗之中。在罗马创作的卡拉瓦乔将这种戏剧性的明暗对照运用到了极致，使其成为自身风格的主导元素，后世称之为暗色调主义。他让光束猛烈地倾泻在描绘对象身上，同时让四周的阴影愈发浓重。在他的《基督下葬》中，场景宛如发生在黑夜，没有任何背景，前景中的人物因而支撑起了整幅画面。而在《圣马太的感召》中，一道斜向的光束引导着观者的视线横跨画布，画中人物身着当代便服，如同市井常人，使得神圣的历史事件显得身临其境、触手可及。
明暗法的运用并不局限于意大利。卡拉瓦乔的明暗对照法成为了17世纪巴洛克艺术的标志性特征，在迭戈·委拉斯开兹和伦勃朗·范·莱因的作品中表现尤为突出。其他画家也根据各自的需求对这种方法加以改良：例如在西班牙和荷兰，相比于卡拉瓦乔那些极具戏剧性的画作，这种技法的运用往往更加克制，更富观察性。
构图同样遵循了这种强调动态的逻辑。许多巴洛克画作的主体动态往往沿着倾斜的轴线展开，而非横向穿过画面。交错的对角线（有时呈X形）能让躯体仿佛要闯入观者自身的空间，这反映了那个时代希望观众深度沉浸的意图。巴洛克艺术偏好定格在动作最为激烈的瞬间，而非四平八稳的停顿状态，这也属于同一种美学倾向。学者们通常将这些特征归纳为：对角线构图、强烈的明暗对比、浓郁的色彩，以及对故事情节高潮时刻的偏爱。彼得·保罗·鲁本斯将这些手法与错视画效果融为一体；他在安特卫普创作的祭坛画中兼具对角线构图与错视空间感。在冷色调天空的衬托下，温暖的肌肤色调让画中人物从背景中跃然而出。
绘画的题材十分广泛。画家们描绘圣经叙事、古典神话、历史事件、肖像以及静物，而相同的光影与构图手法可以运用于上述任何类别。在天主教地区，宗教题材依然尤为重要，人们期望绘画能够打动信众的情感，这在后文论述反宗教改革和地域差异的小节中均有探讨。
雕塑与观者
巴洛克雕塑家致力于赋予大理石与青铜生机活力。文艺复兴时期的雕像往往姿态沉稳、静止安详，而巴洛克人物则常定格于动作之中，紧绷的肌肉和翻卷飞舞的衣褶暗示着强烈的动态。古典希腊或盛期文艺复兴的雕像静止而端庄，宛如在摆姿势照相，而观者在贝尼尼的作品中捕捉到的人物体态则总是处于宏大动作的进行之中。紧绷的肌肉、纷乱旋转的衣褶以及飘逸的发丝，共同传达出势不可挡的动感冲击。群雕也承担起了新的角色。它们不再是自成一体的块体，而是往往围绕着一个虚空中心旋转，或向周围空间延伸，使构图超越其基座；人物群体获得了新的重要性，常常自中心旋涡向外盘旋，伸入周围空间之中。对角线构图是构建人物姿态张力的另一种方式。贝尼尼的人物往往呈对角线姿态，这是巴洛克雕塑的典型特征，有助于强化人物动作中的紧张感。
这一时期还改变了雕像与观赏者之间的关系。巴洛克雕塑往往具有多个理想观赏点，延续了文艺复兴时期从浮雕转向完全圆雕的趋势；巴洛克雕塑通常具有多个理想视角，反映了文艺复兴时期从浮雕向圆雕雕塑演进的普遍延续。但这并非一概而论。在早期作品《阿波罗与达芙妮》（1622–1624年）中，贝尼尼意在让人从单一位置观赏，宛如浮雕一般，重归单一视点；而在后期的群雕中，主要的正面视角主导了整体设计，其他角度则显然处于次要地位。正如对《普路托与普洛塞庇娜》的一项分析所言，这些其他视角明显居于从属地位。
作为该时代领军人物的贝尼尼是这一发展的核心范例。他的作品极富戏剧性，设计成可从多个视点观赏且呈向上盘旋之势，对欧洲雕塑产生了深远影响。在《普路托与普洛塞庇娜》中，艺术史学家达妮埃莱·平顿指出，该群雕展现的是一个事件而非单个人物；该作品具有贝尼尼雕塑的典型特征，即“刻画的不是人物，而是一起事件”。贝尼尼将动作定格在单一瞬间，使观者必须在脑海中重构这一剧情；贝尼尼试图定格时间中的一瞬，动作被悬停于戏剧的高潮之中。他对表面材质的处理同样背离了米开朗基罗的范式，贝尼尼对皮肤与发丝表面质感的敏锐感知以及新颖的光影处理打破了米开朗基罗的传统。这些技艺背后的目标是引发情感共鸣：贝尼尼希望赋予作品剧场感与戏剧张力，以打动观者并令其肃然起敬。
雕塑极少孤立展示。典型的巴洛克雕塑融入了雕塑本体之外的元素，例如隐蔽采光或喷泉。在科尔纳罗礼拜堂中，贝尼尼的结构设计隐藏了一扇窗户，使光线从上方倾泻在雕像上。科尔纳罗家族的成员以浅浮雕形式呈现，宛如坐在礼拜堂两侧墙面的歌剧院包厢中，这种布置将观者置于雕像面前的看客位置。室外作品同样遵循这一逻辑。露天喷泉是巴洛克风格的一大特色，例如贝尼尼在罗马设计的四河喷泉（1651年）；圣伯多禄大殿内的陵墓（包括教宗亚历山大七世之墓）则被视作宏大建筑剧场的一部分。圣伯多禄大殿祭坛上方的青铜华盖也起到了类似作用：华盖将祭坛向上“延伸”，缩小了地面与天花板之间的视觉距离。
贝尼尼的影响力远及罗马之外。虽然贝尼尼于1680年逝世，但他的风格深刻影响了整个欧洲的雕塑家，尤其是在法国、巴伐利亚和奥地利。在短短一代人之间，这种手法便成为了教堂与宫殿装饰的通用语言，并被艺术家们传播至天主教世界的其他地区。
建筑与城市设计
巴洛克建筑致力于通过体量感、动态感与华丽装饰来展现宏伟气象。教堂与宫殿常被设计为一系列递进的空间，引人步步深入；其内部则融合大理石、镀金粉饰灰泥和湿壁画，使建筑构件仿佛消融于幻景之中。穹顶、弧形墙面以及断裂或起伏的山花屡见不鲜，在教堂建筑中尤为盛行。该风格的核心竞争——罗马城内吉安·洛伦佐·贝尔尼尼与弗朗切斯科·博罗米尼之间的较量——展现了将这些手法推向极致的两种不同路径。
博罗米尼的平面设计立足于几何形体，而非人体比例。在小巧的四泉圣嘉禄堂中，他将椭圆形平面嵌入十字形构局内，墙面凹凸开间交替排布，使光影在表面上流转不息。贝尔尼尼则偏爱更大体量、更具辨识度的手笔。他为圣伯多禄广场设计的柱廊呈弧形围合之势，犹如向信徒张开双臂。两位建筑师虽仍沿用继承自文艺复兴的柱式、柱顶过梁等古典语汇，却将其屈折转化为富有曲度、层次感与戏剧效果的形式。
虚构透视画法（quadratura）与错视画法将建筑空间拓展至幻境领域。耶稣会修士安德烈亚·波佐于约1685年至1694年间绘制了罗马圣依纳爵堂的中殿天顶画。由于该堂原定建造的穹顶从未完工，波佐便在平缓的拱顶上绘出一座虚拟穹顶，建筑构件、镀金细部与透视缩短的人物一同升向敞开的天空。这一效果取决于观赏视点：中殿地面上设有一处标记，指示视错觉在此处得以完美呈现。这一天顶画成为天主教欧洲各地晚期巴洛克天顶湿壁画的典范，波佐此后亦在维也纳开展创作。在这一时期，仿大理石柱和彩绘雕像等类似手法在教堂与宫殿的墙壁及拱顶上屡见不鲜。
城市规划将相同的原则应用至整座城市的尺度。教宗西斯笃五世（1585–1590年在位）与建筑师多梅尼科·丰塔纳合作，试图整治罗马杂乱的中世纪街巷格局。他以笔直宽阔的大道串联起包括圣母大殿和拉特朗圣若望大殿在内的各大宗座圣殿，并在枢纽广场设立古埃及方尖碑作为视觉地标。梵蒂冈方尖碑于1586年耸立在圣伯多禄广场上。这一规划旨在引导朝圣者往来于各处圣地，同时彰显教皇权威，但其高昂造价及外来风格曾遭到居民与市政当局的反对。巴洛克晚期，建于1720年代的西班牙阶梯将一段阶梯化为具有纪念碑意义的戏剧化中心，而城中的喷泉与阶梯也吸引行人在这些过渡空间流连。这种轴线、景观视廊、定点广场的营造逻辑，以及专为彰显气度而建的宫殿建筑群，同样塑造了如马德里等王权之都，以及凡尔赛宫这一路易十四的统治中枢。
地域差异与教派对比
教派立场的归属造成了巴洛克视觉文化中最鲜明的差异。反对图像崇拜的宗教改革者（这一立场与新教密切相关，尤其以加尔文主义最为坚决）在多地促成了清除教堂祭坛画、雕像及彩绘装饰的运动。在这些地区，教堂内部变得简朴或被粉刷一白，画家也失去了支撑天主教艺术市场半壁江山的大型祭坛画委托。绘画创作因而转向世俗与家庭题材，例如风景、室内场景以及日常生活。
天主教地区则采取了截然相反的路径。特伦托公会议（1545—1563年）的法令坚持认为，宗教图像是指引信徒、激发虔诚的重要手段。在意大利、西班牙、西属尼德兰以及德意志的天主教地区，为教堂、修道院和宗教善会创作的祭坛画、灵修画与雕塑构成了核心委托项目。这些作品旨在唤起敬畏、怜悯与崇敬之情，常借助浓烈的情感与强烈的明暗对比来抓住观者的视线。彼得·保罗·鲁本斯为安特卫普主教座堂创作的大型祭坛画将充沛的动感与丰富的色彩融为一体，而弗朗西斯科·德·苏巴朗则为西班牙的宗教机构绘制了肃穆沉思的圣徒像。
荷兰共和国则是这种模式的一个特例。归正宗教会在此占据主导地位，但它委托艺术创作的规模远不及天主教会，共和国境内也没有类似王室宫廷或教皇体系的赞助计划。画家们转而面向由商人、行会成员、民兵连队和普通市民构成的广阔市场。该市场偏好风俗画、静物画、风景画和肖像画。伦勃朗·范·莱因创作肖像画、历史画和版画，且持续绘制圣经题材作品，多售予私人买家。弗朗斯·哈尔斯专精于生动传神的肖像画，包括民兵连队的群像画。荷兰艺术家并未停止创作宗教题材作品；差别仅在于委托人是谁，以及作品悬挂在何处。
各大艺术中心均发展出了带有本国特色的风格演变。在以安特卫普为中心的佛兰德斯，鲁本斯经营着规模庞大的作坊，将天主教的虔诚信仰与充满肉感、活力的色彩相结合，并担任多国宫廷的外交官。在西班牙，马德里的腓力四世宫廷资助了迭戈·委拉斯开兹，他的自然主义手法和王室肖像画为宫廷绘画树立了极高标准。在法国，成立于1648年的王家绘画与雕塑学院以及凡尔赛宫的皇家营建工程，推动了一种更有秩序、偏向古典主义的风格，这在夏尔·勒布伦的装饰设计中清晰可见。德意志地区分裂为天主教邦国、路德宗邦国以及众多小公国，信奉天主教的南部孕育了极尽奢华的教堂内部装饰（如巴伐利亚阿萨姆兄弟的作品），而路德宗占据主导的北部则延续了深厚的教会音乐传统。
这些教派界线绝非泾渭分明。天主教赞助人购买荷兰风俗画，新教收藏家拥有意大利宗教画，而在两派并存的城市中，双方共享公共空间；因此，上述对比与其被视作一成不变的规则，不如理解为明显的倾向性。
宫廷、赞助与君主专制
巴洛克艺术与王室和贵族宫廷紧密相连，这些宫廷利用宫殿、园林、绘画和音乐来彰显财富、虔诚与政治权威。艺术赞助与委托往往旨在向使节、来访贵族和臣民直观展示统治者的地位，因此这种风格不仅是一种审美载体，也是一种政治媒介。赞助人还会左右作品的内容：有关艺术赞助的研究指南指出，他们经常要求艺术家融入特定的宗教主题、政治信息或个人颂赞。
其中影响最为深远的典范是法国路易十四的宫廷。1682年宫廷迁至凡尔赛后，一处旧时的狩猎行宫被扩建为一座旨在彰显国王财富与权力的宏伟宫殿。这座宫殿同时也是贵族阶层的舞台。从1664年到1680年代，出入宫廷的贵族人数显著增加，凡尔赛的环境不仅让贵族得以展示自我，同时也使他们时刻处于国王的监视之下。镜厅于1684年竣工，其天顶画由夏尔·勒布伦绘制，用于颂扬国王早期的军事与外交胜利。建筑、室内装饰和规则式园林被统合成一个整体方案，艺术史学家后来称之为“路易十四风格”。《大英百科全书》指出，就连这位君王的敌手也竞相模仿其装潢风格。
效仿之风迅速蔓延。北欧与斯堪的纳维亚的统治者率先摹仿凡尔赛宫及其他法国王家宫殿；约1700年之后，这一模式更是扩展至中欧、东欧与南欧。宏伟的楼梯和井然有序的套间布局被用来展现宫廷的严明等级。凡尔赛宫的大阶梯启发了意大利的卡塞塔王宫、德国的维尔茨堡宫以及斯德哥尔摩王宫的设计；其园林规制也从那不勒斯一路被借鉴至俄国的彼得霍夫宫。
赞助机制将艺术家与这些权力结构紧密捆绑。宫廷画家往往享有长期职位：常驻马德里的迭戈·委拉斯开兹效力于西班牙国王腓力四世，同时也收到欧洲各地神职人员与贵族的肖像画委托；彼得·保罗·鲁本斯既担任西班牙王室及西属尼德兰天主教大公的宫廷画家，又以外交官身份穿梭于各个宫廷之间。因此，许多艺术家将艺术创作与政治使命融为一体。
三十年战争（1618–1648年）对这一体系的影响并不均衡。在中欧的大部分地区，战争引发了经济危机、人口锐减和瘟疫，布拉格的鲁道夫二世宫廷遭到洗劫，其艺术收藏也四处流散。战后，许多诸侯缺乏资金来维持艺术赞助，部分艺术家被迫迁往他乡，新教艺术家也常遭驱逐。然而在波希米亚，天主教势力的胜利开启了一轮新的营建周期：自1627年起，天主教会成为该王国唯一的合法教会；1621年至1630年间在布拉格为帝国统帅阿尔布雷希特·冯·华伦斯坦建造的一座巴洛克式宫殿，被视为中欧最早的巴洛克宫殿之一。《威斯特伐利亚和约》（1648年）宣告战争结束，这往往也标志着专制君主宫廷的崛起，这些宫廷随后成为巴洛克文化的主要赞助人。
音乐：新体裁与新形式
歌剧是这一时期影响最为深远的新体裁。它脱胎于文艺复兴时期的幕间剧，即在话剧各幕之间穿插演出的音乐小品。到了17世纪初，幕间剧逐渐演变为一部完整的音乐戏剧。以雅各布·佩里和朱利奥·卡契尼为核心的佛罗伦萨学者文人圈尝试创作通篇歌唱的戏剧，第一批歌剧作品由此诞生于约1597年至1600年间。克劳迪奥·蒙特威尔第的《奥菲欧》于1607年2月在曼托瓦公爵宫廷首演，标志着歌剧走向成熟。该剧包含序幕和五幕，将牧歌式合唱、带伴奏的独唱、舞蹈和器乐曲融为一体。其由咏叹调、宣叙调和管弦乐间奏构成的模式，成为后世作曲家的标准范本。17世纪30年代，歌剧走入威尼斯的商业性公共剧院，这扩大了受众群体，使其成为一项付费娱乐活动。
清唱剧与康塔塔将这种全新的声乐风格引入宗教与室内乐环境。清唱剧是一部以宗教题材为内容，由独唱、合唱与管弦乐团协同演出的大型作品，演出时通常无需服装和舞台布景。其名称源自罗马供信徒唱诵宗教音乐的祈祷室。17世纪中叶贾科莫·卡里西米在罗马的创作推动了该体裁形式的定型。与清唱剧不同，康塔塔是为单声部或多声部配以通奏低音伴奏的声乐作品。意大利世俗康塔塔在罗马和那不勒斯繁荣兴盛，而德国路德宗的教会康塔塔则将圣经文本、众赞歌与器乐乐章融为一体。约翰·塞巴斯蒂安·巴赫在莱比锡创作了大量教会康塔塔。乔治·弗里德里希·亨德尔后来在伦敦将清唱剧改编为采用英语剧本的形式。
奏鸣曲与协奏曲是主要的器乐体裁。奏鸣曲是一个宽泛的类别，涵盖为各种乐器组合创作的作品，其中由两件旋律乐器与通奏低音组成的三重奏鸣曲是最具代表性的室内乐形式。作曲家将适合教堂使用的“教会奏鸣曲”与适于室内演奏的“室内奏鸣曲”区分开来。活跃于罗马的阿尔坎杰罗·科雷利确立了小提琴奏鸣曲的规范，并推动了器乐脱离声乐走向独立。协奏曲则主要分为两种形式：大协奏曲由一组独奏乐器与完整管弦乐团形成竞奏，独奏协奏曲则突出单件独奏乐器与管弦乐团的对比。朱塞佩·托雷利于1698年创作的小提琴协奏曲展现了对复奏形式的早期运用，即不断重现的管弦乐段与独奏插段交替进行。该体裁创作最为丰硕的代表人物安东尼奥·维瓦尔第使这一形式走向标准化。他的《和谐的灵感》（1711年）确立了“快—慢—快”的三乐章布局，其独奏小提琴协奏曲（包括附有十四行诗的《四季》）成为风靡欧洲各地的典范。大协奏曲在亨德尔的《作品六》（1740年）之后逐渐式微，而独奏协奏曲在1750年前后成为主流形式。
管弦乐团在此期间也发展成为编制更为明确的合奏团体。蒙特威尔第在《奥菲欧》的总谱中动用了约四十件乐器，并为特定场景和角色分配特定的乐器组；例如，弦乐器、大键琴和直笛常用来营造田园风光。到17世纪后期，管弦乐团形成了更为规范的编制，以弦乐群为核心，由通奏低音乐器提供低音支撑，并在需要仪式感或戏剧效果时加入木管乐器与铜管乐器。在法国国王路易十四的宫廷中，王家小提琴合奏团享有盛誉。随着器乐地位的提升，它不再仅仅被视作声乐或舞蹈的伴奏。协奏曲、奏鸣曲和舞曲组曲作为独立的艺术作品得以演出和出版。
组曲将风格化的宫廷舞蹈引入音乐会作品中。典型的组曲通常以序曲开篇，随后展开一系列舞曲，一般包括阿勒曼德舞曲、库朗特舞曲、萨拉班德舞曲和吉格舞曲，每种舞曲都具有独特的速度与性格。带有缓慢附点节奏且后接快速乐段的法国序曲往往作为组曲的开篇，体现了与宫廷相联系的法国趣味。舞蹈由此从舞厅和舞台中抽象出来，演化为由键盘乐器、弦乐器或管乐器演奏的多乐章艺术作品。巴赫的键盘组曲与管弦乐组曲正是这种实践中最著名的例证。
通奏低音与调性体系
通奏低音（basso continuo，字面意为“持续低音”）是一种贯穿大多数巴洛克合奏音乐的伴奏实践。一条通常记作单旋律线条的低音声部贯穿整个乐章，并由一名或多名演奏者在其上方补充和弦。承担和弦声部的乐器通常是大键琴、管风琴、琉特琴、希尔伯琴或竖琴，往往还会加入大提琴、古提琴、低音提琴或大管等低音旋律乐器辅助演奏。低音组的具体乐器构成主要由演奏者或指挥决定，其实践在整个时期、不同地域以及宗教与世俗场合之间差异极大。
实现这种伴奏形式的记谱法是数字低音（figured bass，又称 thoroughbass）。记在低音音符下方或上方的数字和变音记号，标明了每个低音上方应当奏出的具体音程。若没有标注数字，演奏者便默认弹奏原位三和弦。因此，作曲家固定了和声框架，而和弦的具体实现方式（包括音级排列、声部导向与节奏细节）则留给键盘演奏者在公认的惯例内即兴发挥。这种记谱法出现于1600年前后；现存最早在谱表上方标注变音记号的通奏低音声部可追溯至1590年代，洛多维科·维亚达纳于1602年出版的作品虽未附带数字，却常被视作早期的里程碑。有些作曲家和抄谱员因完全省略数字而受到批评，这表明受过良好训练的演奏者往往被认为能够不借助标记自行补全和声。
通奏低音的实践促成了和声围绕核心调性的重组。在文艺复兴晚期，音乐主要建立在教会调式之上，依靠各自独特的全音与半音排列组合。17世纪初，作曲家越来越倾向于围绕主音（代表静止与稳定的和弦）及其与属音的关系来组织乐曲。向对比调性转调成为一种具有戏剧效果的手法。到了成熟巴洛克时期，大小调和弦在和声进行与终止式中的运用已然成型，并在随后的数个世纪中一直作为标准范式沿用。这一时期奠定的调性体系，构成了后世西方音乐（包括浪漫主义时期的和声扩张）的基石。巴洛克时期的织体也改变了各声部的功能分配：最高声部与低音声部变得最为突出，内声部则主要起到充实和声的作用，这种织体在当今许多西方音乐中仍占据主导地位。
巴洛克音乐融合了两种织体处理手法。复调织体（由多条独立的旋律线条交织互动）继承自文艺复兴时期，其模仿对位技术在成熟巴洛克时期达到顶峰，尤以约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的作品最为著称。主调织体（由和弦伴奏烘托旋律）则在早期歌剧的单声歌曲以及咏叹调与宣叙调中大放异彩。通奏低音为这两种织体都提供了支撑：在对位织体下方，它为纵横交织的旋律线提供了稳固的和声根基；在独唱或独奏声部下方，它则提供了旋律所依托的和弦伴奏。这两种写作模式之间的张力，连同通奏低音所赋予的音乐灵活性，深刻塑造了该时期的诸多大型曲式，包括教会音乐中的对位法构架，以及协奏曲与奏鸣曲中的调性布局。
主要作曲家及其生平
约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（1685–1750）职业生涯的大部分时间都在为教会和宫廷雇主服务。他曾在魏玛担任管风琴师与宫廷乐师，随后在克滕为利奥波德亲王主管室内乐，在此期间主要创作器乐作品。自1723年起，他出任莱比锡圣托马斯乐长，统领该市主要教堂的音乐事务，这要求他为每周日和节日的礼拜仪式源源不断地提供康塔塔。他的作品包括圣咏改编曲、受难曲、《b小调弥撒》、1721年完成的《勃兰登堡协奏曲》，以及包括《平均律键盘曲集》在内的大量键盘音乐。
格奥尔格·弗里德里希·亨德尔（1685–1759）出生于德国哈雷，约在1706至1710年间在意大利旅居数年，于罗马、佛罗伦萨、威尼斯和那不勒斯等地接触并研习了意大利歌剧与宗教音乐。在汉诺威宫廷任职一段时间后，他于1712年定居伦敦。1719年成立的贵族机构皇家音乐学会委托他创作多部意大利歌剧，这为他赢得了盛名。随着大众趣味的转变与竞争乐团的兴起，他在18世纪30年代转向英语清唱剧创作，其中1742年首演于都柏林的《弥赛亚》成为他传世最广的代表作。包括《水上音乐》和《皇家烟火》在内的仪式音乐，体现了他与英国王室的密切联系。他去世后安葬于威斯敏斯特教堂。
安东尼奥·维瓦尔第（1678–1741）是一位威尼斯神父，绰号“红发神父”（il prete rosso）。他曾在威尼斯专为孤儿传授音乐的仁慈收容院教授小提琴并担任职务。他创作了数量极多的小提琴及管弦乐协奏曲，其中很多是为收容院的乐团所作；他还确立了基于复奏形式（ritornello）的“快—慢—快”协奏曲结构。他的协奏曲集《和谐的灵感》（1711年）在欧洲广为流传。1725年收录于《和声与创意的尝试》中出版的《四季》，运用了具有描绘性的标题音乐手法来展现各个季节。他还创作了歌剧和宗教音乐，1741年在维也纳穷困潦倒中离世。
阿坎杰洛·科雷利（1653–1713）主要在罗马活动，获得了包括皮埃特罗·奥托博尼红衣主教在内多位富有赞助人的支持。他的《作品第5号小提琴奏鸣曲》（1700年）以及逝后于1714年出版的《作品第6号大协奏曲》，为小提琴演奏技艺、三重奏鸣曲和大协奏曲树立了典范。欧洲各地的作曲家纷纷效仿并借鉴了他的曲式模式。
亨利·珀塞尔（约1659–1695）是他那个时代最杰出的英国作曲家。他于1679年成为威斯敏斯特教堂的管风琴师，并为英国宫廷创作音乐。他的歌剧《狄朵与埃涅阿斯》大约于1689年在切尔西的一所女子学校首演，融合了英式吟诵风格以及意法音乐元素。他的半歌剧、颂歌和赞美歌在更广阔的欧洲巴洛克语境中展现了鲜明的英格兰本土风格。
亚历山德罗·斯卡拉蒂（1660–1725）主要在那不勒斯和罗马工作，创作了极大量的歌剧和康塔塔。他在返始咏叹调（da capo aria）的发展以及那不勒斯正歌剧乐派的形成过程中起到了关键作用。他的儿子多梅尼科·斯卡拉蒂后来创作的键盘奏鸣曲，也成为钢琴和羽管键琴的标准演奏曲目。
文学、戏剧、舞蹈与诗歌
巴洛克式的艺术表达并不局限于绘画、雕塑、建筑与音乐。诗歌、戏剧、舞蹈和舞台奇观同样契合这一时期对展现、动感与惊奇效果的追求，不过各国的本土传统在这些特质上各有侧重。
诗歌与文学风格
在意大利，吉安巴蒂斯塔·马里诺是17世纪初最负盛名的诗人。他的抒情诗集以及长篇神话诗《阿多尼斯》（Adone，1623年）借助奇诡的比喻、感官描写与文字游戏，旨在通过新奇感激发赞叹之情。马里诺的风格被广泛模仿，而在18和19世纪，他的名字甚至成了巴洛克式繁复过度的代名词。后世批评家重新审视了他的作品，如今人们对其作品的评价也更为宽容客观。
西班牙则呈现出两股截然相反的潮流。路易斯·德·贡戈拉的“夸饰主义”（culteranismo，常被称为“贡戈拉主义”）采用拉丁化的句法、神话典故与密集的修饰，营造出高度人工雕琢的词汇风格。弗朗西斯科·德·克维多的“概念主义”（conceptismo）则走向相反方向，将机智、双关与悖论高度浓缩于洗练的文字中。两人针锋相对，他们各自鲜明的风格也成为西班牙巴洛克文学中标志性的两极。
在其他地区，同样的追求以不同形式显现。英国的玄学派诗人（包括约翰·多恩与乔治·赫伯特）构建了常用于探讨宗教题材的精巧奇想，而法国的“矫饰”（précieux）沙龙文学则偏爱迂回修辞、夸张手法以及风雅的文字游戏。尽管这些流派的宗旨各异，但它们都钟情于巧思奇构，并热衷于使用引人瞩目的语言表达。
戏剧与歌剧
巴洛克戏剧融汇了话剧、音乐与视觉奇观。在西班牙，洛佩·德·维加的喜剧赢得了广泛的民众受众，其对体裁与主题的混合运用正是这一时期的典型特征。在意大利，歌剧发展为一种以歌唱为主导的唱剧形式。相比之下，在法国，肢体律动始终处于宫廷盛典的核心地位，法国传统也将舞蹈置于音乐戏剧的中枢。
一种名为“芭蕾喜剧”（comédie-ballet）的混合体裁印证了这种融合。与宫廷芭蕾不同，它拥有剧情，并将对白戏剧与音乐、舞蹈融为一体。莫里哀创作了剧本《讨厌鬼》（Les fâcheux），配以皮埃尔·博尚编排的舞蹈和让-巴蒂斯特·吕利谱写的音乐，并在路易十四面前上演。这一合作成果为法国歌剧的诞生奠定了基础，后者日后吸收了宫廷芭蕾的壮观布景与大段舞蹈编排。
宫廷芭蕾与舞蹈
宫廷芭蕾（Ballet de cour）是一种世俗艺术形式，贵族在其中兼具表演者与观众的双重身份。其主要目的在于颂扬统治者并彰显政治秩序。早期的舞蹈编排通常呈几何图案，专供自上而下俯瞰观赏，演出也是私密的宫廷活动。出生于意大利的卡特琳·德·美第奇在16世纪将这一意大利传统引入了法国宫廷。
路易十四本人是这一文化的核心人物。1653年，年仅十四岁的他便参演了《夜之芭蕾》（Ballet de la Nuit），此后更将舞蹈定为宫廷中贵族身份的必备素养。1661年，他创立了皇家舞蹈学院，这所专业培训学院开始以训练有素的职业演员取代贵族业余表演者。在此之前，专业舞者通常只能出演农民或仆从角色。该学院的毕业生后来成为了巴黎歌剧院芭蕾舞团的中坚力量。
在法国舞蹈教师的推动下，诸如小步舞曲、布雷舞曲、加沃特舞曲和萨拉班德舞曲等巴洛克舞蹈舞步与体裁风靡全欧。这些舞蹈在查理二世统治时期传入英国宫廷，并在整个欧洲大陆的剧场与宫廷中广为传授。它们通用的舞步词汇最终汇入了随之而来的古典芭蕾传统。
科学、哲学与世界观
巴洛克时期与科学革命重合，该革命的领军人物与这一时期的画家、建筑师和作曲家活跃于同一年代。文艺复兴时期提出的日心说，直到约翰内斯·开普勒发表其行星运动定律后，才在这一时期获得广泛影响。几年后，伽利略·伽利莱开始用望远镜观测月球表面并公布了他的发现。这一时期的科学家在工作中还运用了显微镜、温度计和气压计。
理性、自然与信仰的界限
笛卡尔、伽利略及其同时代人正在建立一套基于理性和物理定律来解释自然的方法，而非依附于古典权威或教会教义。笛卡尔认为真正的知识不能仅仅依靠被他视为不可靠的感官；相反，他通过理性和演绎逻辑来寻求确定性。他的心物二元论还将思维与物质世界分离开来。即便如此，巴洛克时期的理性主义者依然保留了基本属于基督教的世界观，其中包括身心二元论。牛顿的《自然哲学的数学原理》（1687年）证明了宇宙是按照理性且可认知的法则运转的，这一结论在接下来的一个世纪中同时推动了经验主义和理性主义的发展。
伽利略的遭遇表明了新科学与宗教权威的冲突能够达到何种程度。1633年，罗马宗教裁判所在伽利略为日心说辩护后，判定他“严重涉嫌异端”，他自此遭到软禁，直至1642年去世。教会领袖虽然赞赏他的望远镜，却不接受其观测证据足以推翻托勒密体系。相比之下，许多思想家并未看到两者的冲突。当哥白尼、第谷·布拉赫和开普勒推翻托勒密天文学时，他们认为在理论及数据与基督教神学之间进行调和并无实质困难。布莱兹·帕斯卡或许提出了对机械论与信仰进行怀疑论调和的最强论述。对宗教的怀疑在该世纪晚期显现出来：17世纪下半叶，西欧社会开始公开关注宗教怀疑论。到了17世纪80年代，英国自然神论者宣扬他们对上帝的“理性理解”，他们认为宇宙依自然法则运行，上帝既不干涉其中，也无法通过祈祷与之沟通。
无限、渺小与运动
历史学家将这一时期的视觉文化与思想文化同一种崭新的尺度感联系在一起。《大英百科全书》指出，这些发展促成了一种新的人类渺小感（哥白尼将地球从宇宙中心移开尤甚）以及对自然界无限性的认识。将人类描绘为辽阔背景中微小个体的风景画便反映了这种转变。一些艺术史学家还将这一时期对动感的偏爱与这种世界观联系起来，认为文艺复兴时期基于单一视角的秩序让位于巴洛克对复杂、动态运动和多重透视的关注。这究竟体现了一种共同的哲学观念，还是仅仅是一种平行的审美趣味，目前仍存在争议。
争议性的关系
巴洛克文化与新科学之间的关系是学界争论的焦点。奥弗·加尔与拉兹·陈-莫里斯明确避开了“科学革命”的宏大叙事。相反，他们将这场革命的主要代表人物——开普勒、伽利略、笛卡尔和牛顿——置于一种充斥着悖论以及自然与人造之间对立紧张的特定巴洛克文化视角之中。其他学者则持相反观点。一场学术演讲指出，巴洛克与新科学确实是互不相容的潮流，因为巴洛克推崇模糊性，而新科学则追求清晰明了。另一个问题在于，这种表面上的割裂究竟是“历史事实”，还是历史编纂学的产物。这些不同的解读表明，人们对这一时期的思想特质仍有着多种维度的阐释。
学术争鸣与史学史
在19世纪的大部分时间里，“巴洛克”一词更像是一种价值批判，而非客观的风格范畴。从约翰·约阿希姆·温克尔曼、约翰·罗斯金到雅各布·布克哈特，批评家们往往将17世纪艺术视作离经叛道且装饰过度；直到19世纪末，这一称谓始终带有怪诞、离奇、夸张与繁冗等贬义色彩。布克哈特在1855年抱怨巴洛克艺术家“鄙视并滥用细节”，这正体现了当时的指责——这位杰出的艺术史家认为巴洛克艺术家缺乏“对传统的尊重”，因而“鄙视并滥用细节”。
转机伴随着海因里希·沃尔夫林的研究而到来。他在1888年出版的开创性著作《文艺复兴与巴洛克》（Renaissance und Barock）将这一词汇重塑为中立的风格术语，并对巴洛克特征进行了系统阐述，使人们得以基于其自身特性来探讨这一风格；自此，“巴洛克”才真正成为一种风格指称，而不再是几乎不加掩饰的贬损之辞。他在1915年出版的《艺术史的基本概念》（Kunstgeschichtliche Grundbegriffe）中通过多组对立概念进一步深化了这种方法，提出以17世纪绘画的“开放形式”来对照文艺复兴时期的“封闭形式”——“开放形式”正是沃尔夫林所创的术语，用来描述巴洛克艺术与文艺复兴“封闭形式”相对立的特质。通过这一著作，“巴洛克”一词进入了文化史的话语体系，不仅用以指代一种独特的建筑风格，还涵盖了整个时代及其主导的艺术冲动。然而，在其门生圈子中，这种负面印象仍挥之不去；与导师不同，沃尔夫林的学生保罗·弗兰克尔便极力回避使用该词，因为当时它仍带有强烈的负面色彩。
音乐领域引入这一标签的时间较晚，且起初同样带有批评意味。早在18世纪30年代，就有一些作者贬抑让-菲利普·拉莫的音乐风格过于繁复怪异、不协和音过多，并在贬义语境下用“巴洛克”一词加以批评。史学家将“巴洛克”系统性地用于描述该时期的音乐则是相对较晚的发展，直到20世纪才出现。1919年，库尔特·萨克斯首次将沃尔夫林的五对概念引入音乐分析中。
文学领域的发展则另有脉络。沃尔夫林早在1888年比较阿里奥斯托和塔索的作品时，就率先提出将巴洛克概念引入文学研究，但直到20世纪10年代和20年代，德国学者才开始将其广泛应用于文学史。在西班牙和拉丁美洲，该词衍生出了当代的意义。自20世纪70年代以来，“巴洛克”已成为形容繁复、晦涩、语言技巧高超或具政治革命性文本的标准标签，批评家们也借此来描绘当代文化。20世纪50年代，巴西诗人阿罗尔多·德·坎波斯创造了“新巴洛克”（neobarroco）一词；而随后的新巴洛克批评也引发了质疑，因为在当代西班牙语及拉美研究中，巴洛克常常充当某种文化例外论神话，使批评家得以将先锋派与后现代的革新重新阐释为对某种永恒本质或文化认同的依归。
有关非欧洲艺术的讨论同样悬而未决。在殖民时期的拉丁美洲建筑研究中，史学家们对欧洲殖民者究竟是自觉效仿了亚洲建筑模式，抑或这种亚洲影响是由本土艺术家的思维观念注入所致，仍未达成一致。在殖民时期的宗教思想中，该词甚至脱离了艺术范畴，用来指涉教父哲学与中世纪基督教传统的融合。巴洛克究竟指代单一统一的风格、一个历史时期，还是某种周期性出现的艺术倾向，至今仍是一个开放性课题；而每一种不同的界定，都会改变音乐、文学以及全球化艺术在这一范畴中的归属与定位。
遗产与全球传播
近期的博物馆与学术界叙事将巴洛克置于全球视觉艺术史的前沿。维多利亚和阿尔伯特博物馆的总览将其描述为最早在世界各地留下印记的风格（伦敦的艺术收藏亦展现了这一广泛影响）。一些学者甚至更进一步，称其为首个真正意义上的全球风格；这种观点在一定程度上反映了早先的批评家并未重视欧洲以外地区创作的艺术，而近几十年里学者们才开始将巴洛克视作一种全球现象。
这种传播的机制主要来自宗教和商业。以耶稣会为主的传教修会广泛传播欧洲版画，殖民地作坊则以此为范本制作宗教画。葡萄牙在印度的活动充分体现了这一模式：当地的耶稣会士雇佣当地雕刻工匠建造了第乌的圣保罗堂等教堂。在殖民时期的拉丁美洲，教堂建筑将欧洲巴洛克形式与本土母题及地域材料结合在一起。贸易在传播图像的同时，也输送了巴洛克风格的器物与手工艺传统：中国雕刻工匠在印度尼西亚工作，法国银匠在瑞典谋生，意大利硬石工艺大师在法国施展技艺，雕塑作品也从菲律宾运往墨西哥和西班牙。荷兰东印度公司与西印度公司等特许经营公司将漆器、瓷器和纺织品运往数大洲，而这些贸易网络也与奴隶贸易紧密交织，展现了早期近代交流中残酷的一面。
当地制作者并非被动的接受者。作为一种风格，巴洛克在跨越全球的过程中也发生演变，不断调适以适应新的需求、本土品味、材料以及背景环境。这一过程究竟应被视为单一的全球风格，还是欧洲模式在一系列地域的本土化调适，学界至今仍存争议。
该风格的晚期阶段也将其推向了一种新的艺术语汇。18世纪30年代在法国兴起的洛可可风格，是对与路易十四相关的庄重刻板形式的反叛，常被描述为巴洛克运动的最终表达。它引入了更浅淡明亮的色彩、不对称的曲线以及更世俗、更亲切的氛围，其影响还扩展到了中欧和俄罗斯。
晚期巴洛克城市设计在西西里岛东南部得到了清晰完整的保留。当地包括诺托、莫迪卡和卡塔尼亚在内的八座城镇在1693年大地震后重建，展现出独特的城市规划创新与极高水准的建筑技艺。联合国教育、科学及文化组织于2002年将这一建筑群列入《世界遗产名录》，称这些城镇代表了欧洲巴洛克艺术的巅峰。这些地点如今作为文化遗产受到保护，并证明了该风格关于城市宏伟气象与剧场化空间的理念，比最初委托建造它们的宫廷与教会更为持久。
巴洛克的情感表达基调也滋养了后来的艺术运动。它对感官的直接诉求以及对强烈情感的关注，预示了浪漫主义的关切所在。19世纪，欧仁·德拉克罗瓦和泰奥多尔·热里科借鉴了巴洛克的戏剧化表达方式，创作出饱含情感力量与政治色彩的画面。
巴洛克音乐至今仍是西方古典音乐经典曲目的核心。自20世纪后期以来，许多巴洛克作品开始使用仿古乐器并以历史考证原则下的演奏技巧进行演绎，这改变了听众聆听巴赫、亨德尔和维瓦尔第音乐的方式。
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